Ein „Musiktheater-Abenteuer für die ganze Familie“, das ist doch etwas, das ich meine n drei Enkeln zu Weihnachten als gemeinsame Unternehmung schenken könnte – noch dazu mit einem Stoff, den ich noch von dem berühmten Film „La Guerre des Boutons“ von Yves Robert aus dem Jahr 1962 kannte. Und die Vorlage ist noch bedeutend älter, nämlich der gleichnamige Roman von Louis Pergaud aus dem Jahr 1912. 113 Jahre später die musikalische Bühnenversion des seit Generationen lodernden Konflikts zwischen zwei kleinen französischen Dörfern, den die jeweiligen Kinder mit einer speziellen Form der Erniedrigung anfachen: Den Unterlegenen im regelmäßig ausgetragenen Raufhandel werden sämtliche Knöpfe ihrer Kleidung abgeschnitten, wodurch die Buben auch zu Hause noch eine auf den Deckel kriegen.

Garniert ist dieses Geschehen u.a. mit Klassikern des französischen Chansons. So werden Joe Dassins „Les Champs-Élysées“ und „Paroles, paroles“ von Dalida/Alain Delon irgendwie in die Handlung eingebaut.

Gabriel (13), Jakob (11) und Nathan (9) saßen gebannt auf ihren Sitzerhöhungen, die fünf Viertelstunden wurden ihnen nicht zu lang. Und auch ich fand die Aufführung von Regisseurin Johanna Arrouas (die spontan für eine erkrankte Schauspielerin einsprang) charmant. Etwas störend fand ich, dass die an sich sehr gute Band oft leise weiterspielte, während die Kinder auf der Bühne – dann schwer verständlich – neue Pläne wälzten. Und ja – vielleicht würde dem Stoff („Die im Nachbardorf haben jetzt ein Telefon, wozu soll das denn gut sein?!“) eine behutsame Aktualisierung guttun.

Die Bar von Lillas Pastia 13 Jahre nach den in der Bizet-Oper erzählten Ereignissen. Statt Remmidemmi mit einer tanzenden, singenden, trinkenden Carmen im Mittelpunkt nun tote Hose mit lediglich drei in Erinnerungen schwelgenden Gästen: Leutnant Morales, einst umsonst bemüht um die Gunst des rassigen Vollblutweibs, ebenso der ehedem ruhmreiche, zum düsteren Trankler herabgesunkene Torero Escamillo und die früher in Don José verliebte Micaëla. Die drei fanden sich ein, um Zeugen der Hinrichtung des seit 13 Jahren einsitzenden Eifersuchtsmörders der Carmen zu werden – und die Vergangenheit wieder aufleben zu lassen.

Damit werden Carmen und ihr Kurzzeit-Lover Don José auf der Bühne wieder lebendig, es beginnt ein Wechselspiel zwischen der Jetztzeit und dem unvergessenen Drama, wobei letzteres den Großteil des Dargestellten einnimmt. Das bekannte Ende mit den Schüssen des Verschmähten auf Carmen und der Todesglocke für den dafür Hingerichteten kommt nach fast zwei Stunden dann etwas abrupt.

Davor sorgen aber der französische Opernstar Katia Ledoux (Carmen), Stefan Cerny mit beeindruckendem Bass, Musical-Sänger Anton Zetterholm (Don José) und die Schauspieler Florian Carove (Morales) und Julia Edtmeier (Micaëla) für ein kurzweiliges Programm. Das Operngenre wird dabei oft wohlklingend zugunsten von Jazz, Flamenco, Musical, Chanson und Pop verlassen, einige gute Inszenierungsideen sorgen für Heiterkeit und Abwechslung.

Mir gefiel Nils Strunks bunte Regie-Mischung aus Operntradition und moderner Adaptierung, die beteiligten Musiker (Piano/Akkordeon, Trompete, Schlagzeug) überzeugten. Dass Carmen die Geschichte eines Femizids an einer Frau erzählt, „die mit den Männern spielt“, wie von meinem Freund Heinrich kritisch eingewendet, stört mich gar nicht. Vielleicht gehe ich Opernmuffel auf meine alten Tage ja noch ein paar weitere Male in entsprechende Musiktheatersäle – meine Premiere in der Volksoper machte Lust darauf.

Zum zweiten Mal „Literatur im Dialog“ im Radiokulturhaus. Diesmal im Mittelpunkt der Lesungsreihe mit den Schauspieler:innen Nicholas Ofczarek und Tamara Metelka sowie dem Violinisten Nikolai Tunkowitsch: Thomas Bernhard. Und ich nehm’s vorweg: Es wurde viel unterhaltsamer als der Abend mit/über Kafka.

Im Mittelpunkt stand »Der österreichische Staatspreis für Literatur«, den Thomas Bernhard in den 1960er-Jahren aus den Händen des damaligen Kulturministers im ÖVP-Alleinregierungs-Kabinett Josef Klaus, Theodor Piffl-Perčević. Diese Ehrung empfand der Literat als Demütigung, denn es war – wie Ofczarek mehrmals aus Bernhards posthum erschienenem Text „Meine Preise“ vorlas – der kleine, für vielversprechende Talente gedachte Staatspreis und nicht der große, für ein Lebenswerk verliehene. Bernhard war zum Zeitpunkt der Auszeichnung bereits 37, aber jung genug, um das Geld zu brauchen: Die 25.000 ausgelobten Schilling waren ihm willkommen, um Schulden zu tilgen.

In der ihm auferlegten Dankesrede, zu der ihm lange nichts einfiel, sagte Bernhard u.a.: Der Staat ist ein Gebilde, das fortwährend zum Scheitern, das Volk ein solches, das ununterbrochen zur Infamie und zur Geistesschwäche verurteilt ist. Piffl-Perčević verließ wegen dieser Beleidigung Österreichs daraufhin in großer Erregung die Festveranstaltung. Der Skandal war perfekt.

Thomas Bernhard ist ein literarischer Lästerer, ein scharfsinniger Querulant, ein Übertreibungskünstler, den ich im Germanistikstudium und danach links liegen ließ. Aber sein Rückblick auf die Nestbeschmutzung anlässlich einer Preisverleihung ist fast 60 Jahre danach noch immer höchst witzig und entlarvend hinsichtlich des problematischen Verhältnisses von Kunst und Politik in Österreich. Künstlingswirtschaft?

Und wieder mal ein Beweis, was für einen fatalen Aderlass an Kreativität und Intellektualität das NS-Terrorregime in Österreich verantwortete: Die aus einer jüdischen Wiener Familie stammende Lisette Model (1901–1983) wurde erst nach Frankreich, dann in die USA vertrieben. Heute gilt sie als eine der einflussreichsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts. Die noch bis 22. Februar 2026 geöffnete Ausstellung in der Albertina zeigt eine umfassende Retrospektive ihrer wichtigsten Werkgruppen von 1933 bis 1959. Etwa eine Fotoserie von der Promenade des Anglais in Nizza, auf der in den 1930ern die gelangweilte Haute volée in demaskierenden Posen abgebildet ist. Models Fotos erschienen 1941 in Harper’s Bazaar in den USA unter dem provokanten Titel „Why France Fell“.

Weitere Serien zeigen Badende auf Coney Island, die triste soziale Realität auf der Lower Eastside, Studien über Jazz-Stars wie Billie Holiday oder Ella Fitzgerald oder Opernbesucher:innen in San Francisco. Vielen Bildern stünden heute Datenschutzbestimmungen entgegen, denn die Abgebildeten würden gegen ihre für sie wenig vorteilhafte Zurschaustellung protestieren. Dabei finde ich gerade diese Charakterköpfe und ihre Lebens-Haltungen so interessant.

Meine zweite Lesung in der äußerst sympathischen Buchhandlung Seeseiten in der Seestadt – diesmal präsentierte Milena Michiko Flasar mit dem Kurzgeschichtenband „Der Hase im Mond“ und dem Essay „Sterben auf Japanisch“ gleich zwei Bücher. Die Lesung erfolgte vor allem aus dem ersten: Es ging um ein in Alltagsroutine erstarrtes japanisches Paar um die 30, die durch die Beobachtung einer Frau, die jener aus dem Paar bis aufs Haar gleicht, erst fasziniert und dann zunehmend aus der Bahn geworfen wird. Wie Flasar, Tochter einer japanischen Mutter und eines österreichischen Vaters, die langweilig gewordene Beziehung der beiden Hauptfiguren in wenigen Sätzen schildert, ist einfühlsam und glaubwürdig. Noch beeindruckender fand ich, wie die Autorin liest: akzentuiert, flüssig, fehlerlos wie eine professionelle Schauspielerin. So würde ich das auch gerne hinkriegen, wenn ich in drei Wochen erstmals meine Adventmails vor Publikum vorlese.

Als optimistische Ergänzung zu dem etwas unheimlichen Text aus „Der Hase im Mond“ las Flasar einen kurzen Abschnitt über Erlebnisse in ihrer zweiten Heimat Japan. Güte führt zu Güte führt zu Güte…, hieß es da abschließend.

Von der japanisch-österreichischen Schriftstellerin habe ich noch kein Buch gelesen, nur ÜBER sie. Der gestrige Abend war aber ein Anstoß, diese Lücke zu schließen.

Marina Abramović (1946 in Belgrad geboren) gilt als eine der wichtigsten zeitgenössischen Performance-Künstlerinnen. Sie setzt sich selbst und ihren Körper vor Publikum aus, dessen Reaktion Teil des künstlerischen Prozesses werden soll – etwa in ihrer frühen Performanceserie „Rhythm“: Ein weiß gedeckter Tisch mit Utensilien wie Ketten, Messer, Schal, Rasierklingen, einer dornigen Rose u.a. lud Besucher:innen dazu ein, damit und mit der regungslos davor stehenden Künstlerin etwas zu gestalten. Männer entblößten sie, legten ihr eine Kette um, küssten sie, verletzten sie mit Dornen – bis sie durch Blickkontakt Scham auslöste. Noch reduzierter Abramovićs Aktion „The Artist is Present“: Da saß sie stundenlang nur da und blickte einem wechselnden Gegenüber in die Augen – so lange, wie der/die Gegenübersitzende das wünschte.

An den Wiener Aktionismus und Valie EXPORT erinnert Abramovićs Zusammenarbeit mit ihrem Lebenspartner von 1976 bis 1988, Ulay: Zu sehen sind Videos mit wechselndem Anschreien, Ohrfeigen, Selbstverletzungen. Explizit politisch wurde ihr Schaffen mit dem Krieg in Ex-Jugoslawien. Aufgetürmte blutige Rinderknochen und filmische Ausführungen über die Vernichtung von Ratten veranschaulichten die alltägliche Gewalt.

In ihrem Spätwerk wendet sich die inzwischen fast 80-Jährige immer mehr der Natur und der darin verborgenen Spiritualität zu. Esoterisch mutet z.B. die Einladung an die Albertina-Besuchenden an, die Energie verschiedener Metalle und Gesteine durch Anlehnen oder Draufliegen zu erspüren. Naja.

All das verstört und fasziniert zugleich. Es weckt Lachen und Angst, Wut und Abscheu, Scham und Voyeurismus – jedenfalls Neugier. Und hielt mich knapp zwei Stunden in der noch bis 1. März 2026 zugänglichen Sonderausstellung fest.

„Gothic Modern“: Der Titel der großen Herbstausstellung der Albertina drückt (neben der auf den Tourismus ausgerichteten Internationalisierung) die Begegnung zweier Kunstepochen bzw. Zeitalter aus. Meisterwerke vom Symbolismus bis Expressionismus mit dem Schwerpunkt auf Kollwitz, Modersohn-Becker, Munch und Beckmann werden neben Arbeiten des ausgehenden Mittelalters und der beginnenden Neuzeit (Dürer, Holbein, Cranach oder „Grien“) gehängt. Dabei wird veranschaulicht, dass sich die „Modernen“ hinsichtlich Themenwahl und auch Technik vielfach an den Vorbildern der Gotik orientierten, die rund um die Jahrhundertwende hoch im Kurs war.

Spannende war der Vergleich mit der aktuellen Ausstellung „Du sollst dir ein Bild machen“ im Künstlerhaus, in der die Distanzierung von christlich-religiösen Sujets in der zeitgenössischen Kunst noch viel deutlicher zum Ausdruck kommt. Wobei sich auch z.B. in Edvard Munchs nackt-verführerischer „Madonna“ oder in säkularisierten Pietà-Darstellungen eine Distanzierung von traditionellen Deutungen zeigt. Der Be-Deutungsverlust des Christlichen innerhalb von zwei, drei Generationen ist offenkundig.

Faszinierend fand ich in „Gothic Modern“ die Exponate vieler weiblicher Kunstschaffenden. Großartig etwa die Blätter von Käthe Kollwitz, von denen die Albertina viele besitzt, oder die Gemälde von Paula Modersohn-Becker und von der Finnin Helene Schjerfbeck (von der ich noch nie gehört hatte). Lange stand ich auch vor einer Kopie von Hans Holbein d.J., „Der tote Christus im Grab“, dessen Original ich schon mal in einem Adventmail am Heiligen Abend aufgriff. Und spannend zu lesen, dass Matthias Grünewalds Isenheimer Altar, den ich in Colmar anbetete, auch für viele Künstler:innen rund um 1900 zur Pilgerstätte wurde.

Eine Ausstellung über Kunst und Religion – so einen Kelch lasse ich nicht an mir vorübergehen. Zumal der Titel „Du sollst dir ein Bild machen“ ja schon ein Stück Widerspruch bzw. Ungehorsam gegenüber biblischen Vorgaben bedeutet, wonach wir uns eben KEIN Bildnis … Aber bitte: Wie anders als über (bildhafte) Vorstellungen können wir uns dem letztlich unvorstellbaren Gott annähern? Und hat nicht auch Jesus mit seiner vertraulichen Anrede „abba“ (Papa) familiäre Anschaulichkeit provoziert?

„In Konzeption und Ausrichtung steht die Schau nicht für vordergründige Provokation oder lauten Protest, sondern für einen differenzierten Blick, für die Suche nach Gemeinsamkeiten und das Bestreben, einen Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und Religion zu fördern“, erklärt Kurator Günther Oberhollenzer in den Presseunterlagen. Aber ganz ohne Provokation und Protest geht es bei den Werken der 42 ausgestellten Kunstschaffenden (darunter Marina Abramović, Manfred Erjautz, Valie Export, Martin Kippenberger, Arnulf Rainer, Bettina Rheims – und Johannes Rass, Sohn meiner Freundin Gaby) nicht ab, dazu ist die Last des Jahrhundertelang mit weltlicher und „Seelenbesetzungs“-Macht einhergehenden Christentums noch zu präsent.

Unterteilt ist die Schau in sieben Kapitel: Ikone, (Schein-)Heiligkeit, Kreuz, Auferstehung, Göttlichkeit, Madonna und Letztes Abendmahl. Gleich im ersten Raum eine Begegnung mit Jesus, wie sie „moderner“ kaum sein könnte: In einer einzeln zu betretenden hölzernen „Beicht-Box“ kann man mit einem digitalen Christus über Glaubensfragen sprechen. Die KI geht in Sekundenschnelle auf das jeweilige Gegenüber ein – „nicht als technische Spielerei, sondern als ernsthafter Austausch über persönliche und spirituelle Fragen“, wie es heißt. Hochinteressant!

Vorne an der Box eine Variante des bekannten „Lego-Kreuzes“ von Manfred Erjautz, rechts davon ein Stück der „Himmelsleiter“ aus Neonröhren, die Billi Thanner für den Südturm des Stephansdoms schuf.

Schon berühmt ist der unter Blasphemieverdacht stehende gekreuzigte Frosch von Martin Kippenberger; viel expliziter kirchenkritisch ist Deborah Sengls Wachsskulptur „Von Schafen und Wölfen“, die ein zähnefletschendes tierisches Zwitterwesen mit wollenem Kraushaar im liturgischen Priestergewand zeigt. Einige Arbeiten blicken aus feministischer Perspektive auf Glaubensgestalten und -inhalte: So die Projektion „Göttin schuf Eva“, die Michelangelos berühmtes Sixtina-Fresko persifliert, die „Putzmadonna“ von Valie Export oder ein Triptychon von Bettina Reims mit einer gekreuzigten barbusigen Frau.

Erfreulich oft bekommt Humor in der Ausstellung Platz, und das nicht nur in sarkastischer Abgrenzung vom Althergebrachten. Ein Beispiel: Lois Hechenblaikners fotografische Gegenüberstellungen alter Glaubensrituale und heutiger kommerzverseuchter Alm-Rausch-Seligkeit. Oder ein in Schokolade gegossener Jesus als wörtlich genommener „my sweet Lord“ (Timm Ulrichs).

Einige Werke wie Thomas Riess‘ „Transsurfing“, das im Raum „Auferstehung“ eine sich in Licht auflösende Gestalt zeigt, leisten Übersetzungsarbeit: Wie könnte Spiritualität heute veranschaulicht werden – jenseits der Notwendigkeit, sich an unjesuanischen Altlasten der Glaubensgeschichte abzuarbeiten? Besonders eindrucksvoll in diesem Kontext auch die Holzarbeiten des aus der Schnitzerei-Tradition des Grödnertals entstammenden Südtirolers Aron Demetz.

„Chapeau zu dieser Schau! Unbedingte Empfehlung!“ schrieb Johannes Rauchenberger, der selbst gerade seine „Gott hat kein Museum“-Ausstellung im Grazer KULTUM kuratierte. Dem kann ich mich nur anschließen.

Durch meine jetzt drei dort lebenden Söhne bin ich regelmäßig in der Wiener Seestadt. Noch nie war ich allerdings in der Buchhandlung „Seeseiten“, wo meine liebe Freundin und Kollegin Johanna Grillmayer aus dem dritten Band („Ein guter Mann“) ihrer Dystopie-Trilogie las. Über das dort gekaufte und von Johanna nett signierte Buch kann ich anders als über die beiden ersten Bände noch nichts schreiben, wohl aber über die überaus sympathische Buchhandlung. Die Seeseiten sind geräumig, bieten viel Platz zum Schmökern in entspannter Atmosphäre, sogar Getränke kann man dazu erwerben. Ein Wohlfühlladen.

Und der Chef – der auch aus ORF-Sendungen bekannter Buchliebhaber Johannes Kößler – machte es der Autorin und den leider nur 15 Besucherinnen und Besuchern so angenehm wie möglich: mit einer launigen Begrüßung, viel Wertschätzung für das Romangroßprojekt von Johanna, klugen Fragen nach der Lesung und Wein und Brötchen zum Ausklang.

Und für den Rest des Jahres sind weitere interessante Veranstaltungen in der Buchhandlung angekündigt…

Nicht nur wer „Im Prater blüh’n wieder die Bäume“ von Robert Stolz kennt, assoziiert die Hauptallee mit den weißen und rosa Blüten der dort aufgereihten Rosskastanien. Nur leider, wenn man dem Topfachmann für Wiener Baumkultur, Thomas Roth, glauben kann, hat dieser frühlingshaft erfreuliche Anblick ein Ablaufdatum. Denn die Rosskastanie ist einer jener Bäume, die dem Klimawandel besonders schlecht gewappnet sind.

Unter den 49 weiteren, die der in den Bereichen Gehölzkunde, Baumschulwesen, Garten- und Landschaftsgestaltung lehrend tätige Boku-Absolvent in seinem neuen Buch auflistet, sind aber auch andere, die Hitze, Salz und Wassermangel in der Millionenstadt deutlich besser vertragen. Und Roth kann darüber unterhaltsam schreiben, was ich aufgrund des Buchtitels „50 Wiener Bäume“ nicht von vornherein erwartet hätte.

Vorgestellt hat Roth sein im Falter-Verlag erschienenes Buch am 14.10. im Gespräch mit Naturressort-Leiterin Katharina Kropshofer, hingelockt hatte mich und Claudia vor allem das magdas-Hotel als Veranstaltungsort und das dort gebotene Abendessen. Rund um die an langen Tischen platzierten 80 (?) Gäste hatte Roth Zweige und (tlw.) essbare Früchte seiner ausgewählten Bäume angeordnet. Darunter solche, von denen ich noch nie etwas gehört hatte – wie Taschentuchbaum, Gummiulme, Milchorange oder Schlafbaum, aber auch Platane, Gingko und die bedrohte Kastanie. Zu den problematischsten invasiven Arten in Europa zählt der Götterbaum, einer Pflanzen-Hydra, die umso üppiger nachwächst, je mehr man sie beschneidet.

Dazu gab’s rund 45 min Info, danach feines Essen – ein „Sharing Dinner“ – und nette Gespräche mit uns davor unbekannten Frauen und Gastgeberin Gabriela Sonnleitner; magdas, wir kommen wieder!